Nerhol is an artist duo formed in 2007 by Yoshihisa Tanaka, who “develops (neru in Japanese)” an idea, and Ryuta Iida, who “carves (horu in Japanese)” the idea. Using photographs, they create series of sculptural works through multi-layered and complicated process. As the work For want of a nail derived from residency in Beppu, they showcased sculptural pieces, which visualized forms of the culture cultivated within hot spring and natural environment, at multiple venues: Aoisou, the base for the residency program; Beppu Park; and a store’s wall. This work, whose title quotes that of a poem about causation from Mother Goose, turns to its final form when it’s installed within a certain space in a certain location. We spoke with the two about this new attempt as the duo who pursues their photographic practice using physicality and organic nature, along with their latest attempts.
Interview with Nerhol
Q. Could you tell us the concept behind the work For want of a nail that you applied for this prize with? What made you create this work?
This project started as we were invited to the residency program (KASHIMA2018 BEPPU ARTIST IN RESIDENCE) in Beppu, Oita Prefecture in summer 2018.
We have created works with interest in a potential discovery of a dynamic perspective through looking at the world from a micro aspect, and that of unexpected connections or contexts through reviewing the world from a macro aspect. While keeping our perspective as broad as possible, we have conducted attempts to magnify charms in the details and present historical links including not only history formed by humans but also creatures and artifacts as humankind’s accompanyers, accidents caused by encounters with them, and scientific phenomenon, in a way different than stereotyped historical interpretation.
In the process of researching the history of Beppu on the occasion of this residency program, we learned the fact that the massive current of history had affected and transformed Beppu as a whole in terms of the natural resource of hot spring, citizens striving to revitalize the town utilizing the resource, and the town’s prosperity and decay. What we encountered during the residency was the poem For want of a nail from Mother Goose. Learning the poem describing this world flooded with large-scale circulation of energy and connections among minute matters in a similar scale, we found its title exactly representing Beppu, and named the work after this poem.
Q. What is the multi-layered and complicated process to create your works?
Although we won’t go into detail on how they are produced here, what we can tell is that we discuss concepts and themes thoroughly before we start creating it. In the production process, we guide each piece to form one work as a whole while discussing which part of the image on the print to be left, and how to show the texture of paper.
Q. What lead you two with different professions to work together as the unit Nerhol?
Although a chance meeting had us get into this, the difference in our background is an important element for our practice. We started working as a duo thinking we may be able to create something interesting through dialogues and sharing each other’s languages that we didn’t understand.
Q. Considering your early portrait works, the subjects of your works has shifted to what seemingly doesn’t move, what slowly moves, or organic substances. Has there been any change in your way of thinking or understanding of the concept of time?
We still make portraits. We are working to reveal multilayers of organic substances as the fundamental concept of our practice. We always learn something new ourselves when creating a work.
Q. The cutting in your works has become more complicated itself. Comparing to the earlier three-dimensional works turned from photographs, the newer works seem to have more elements as an installation work. Could you tell us about the change in your way of thinking in detail?
As our attempt in recent years, we have combined works with varied motifs when presenting an exhibition rather than showcasing them as pieces from one series. Presenting completely different motifs under a consistent concept requires showing them as an installation work.
We take different sculptural approaches in terms of how we make each of the works. These approaches let us create wider variety of figures with an image than our previous techniques in which the work was carved by cutting one layer at a time. Besides, they make more matters that we need to care about when creating a work, which we find them interesting ourselves.
Q. Do you think your nationality or the country you were born becomes your identity when it comes to creating a work? Do you have any experience that you recognized the uniqueness of your country when going abroad?
An identity can be an important element. Tanaka was born and raised in Japan as half South Korean and half Japanese. Within the residency program we participated in at Youngeun Museum of Contemporary Art in South Korea in 2017, we visited House of Sharing in its neighborhood and created a work based on the theme of the comfort women. As the first Japanese artists that took part in this program, we considered it was meaningful that we did this. We received many favorable comments from the locals too.
That being said, we advocate that a nationality isn’t a significant matter in a positive sense. What’s more important than a nationality is the forms of history that each person has gone through; this idea also leads to the concept of our works.
Q. Today, photography as a medium continues to undergo drastic changes. What is the reason behind choosing photography as your primary medium? Also, what are your thoughts on the potential of the photographic medium?
We consider photography and video are crucial elements and highly likely to be continuously utilized for artworks in varied ways.
Q. Please tell us about your upcoming projects (including works you are currently creating and future plans).
We will participate in the group exhibition New Photographic Objects at the Museum of Modern Art, Saitama starting from June 2nd to Sptember 6th, and showcase works including a number of new pieces.
Nerhol是2007年由田中良久 (Yoshihisa Tanaka) 和飯田龍 (Ryuta Iida) 所組成的藝術家組合，田中良久“發展 (日語中的neru練る) ”創意，而飯田龍則是“雕刻 (日語中的horu彫る) ”出想法。他們利用照片，通過多層次、復雜的過程，創作出一系列雕塑作品，例如來自於駐地別府的作品《因為沒有釘子》，在多個場地進行展示，這些雕塑作品將溫泉和自然環境中所成長的
文化形態視覺化，以及其他地點：作為駐地項目的基地葵莊、別府公園、還有商店的墻。此作品的標題引用了《鵝媽媽》中的一首關於因果關系的詩，最終形式為被安裝在一個特定位置的空間裏。我們有幸采訪這兩位攝影師，這是了解他們在攝影實踐中運用了物質性和有機性，以及他們最新嘗試的好機會。
Nerhol 專訪
問: 能否告訴我們《因為沒有釘子》背後的理念嗎? 是什麽讓妳們創作了這個作品?
這個項目開始於2018年夏天，那是我們被邀請參加大田縣別府的駐地項目(KASHIMA2018別府藝術家駐地)。
我們創作作品所關註的是動態視角的潛在發現，即從微觀角度看待世界，以及從宏觀角度審視世界，從而發現意想不到的聯系或環境，同時保持盡可能廣泛的角度來觀察，為此，我們進行了嘗試放大細節的魅力和現在歷史鏈接，其中不僅包括人類形成的歷史，更有生物和人工制品作為人類的陪襯，與他們接觸所造成的事故和科學現象,在某種程度上不同於刻板的歷史解讀。
在駐地項目期間，經過研究別府的歷史，我們學習了當前巨大的歷史洪流已經影響和
改變了整個別府溫泉的自然資源、公民努力振興城市利用的資源，以及鎮上的繁榮和衰敗。我們在此期間碰巧看到《因為沒有釘子》這首詩歌，意識到這首描寫世界的詩充滿了大量的能量
循環和類似規模的細微事物之間的聯系，我們發現它的標題恰恰代表了別府，並以這首詩的名字來命名這件作品。
問: 妳們的作品有著怎樣多層次、復雜的創作過程?
雖然我們不會在這裏詳細介紹它們是如何產生的，但我們可以肯定的是，在開始創建前，我們已經徹底地討論了概念和主題。在制作過程中，我們引導每一個部分去形成一個整體，同時討論在印刷品上應該留下圖像的哪一部分，以及如何表現紙張的質感。
問:是什麽讓妳們兩個從事不同職業的人一起工作，組成Nerhol?
雖然是一次偶然的相遇讓我們進入了這個領域，但我們背景的不同是促使實踐的一個重要因素，之所以是以二人組開始合作，是因為我們認為可以通過對話和分享彼此不懂的
語言來創造一些有趣的東西。
問:考慮到妳們早期的肖像作品，作品主題已經轉移到那些看起來不動的，緩慢移動的，或者有機物質上，妳們對時間概念的思考和理解有什麽變化嗎?
我們還做肖像畫，始終致力於揭示多層有機物質作為我們實踐的基本概念，我們總是在創作的過程中學習新的東西。
問: 妳們作品中的剪裁本身已經變得愈加復雜，與早期從攝影轉向的三維作品相比，較新的作品作為裝置作品似乎有更多的元素，能詳細地告訴我們這思維方式的變化嗎?
作為我們近年來的嘗試，我們在展示展覽時結合了不同主題的作品，而不是把它們作為一個系列的作品來展示。在一個一致的概念下呈現完全不同的主題需要
把它們作為一個裝置作品來展示。
我們采取不同的雕塑方法在於我們如何制作每一個作品，這些方法優於我們以前的技術，讓我們創造更廣泛的創造圖像中各種各樣的人物，在過程中，則是通過切割一層層的時間雕刻。除此之外，他們可創造出更多我們需要關註的食物，也會覺得他們更有趣。
問: 妳們認為在創作一件作品時，國籍或出生的國家會成為妳們的身份嗎? 妳 們是否有過在出國時認識到自己國家的獨特性的經歷?
身份是一個重要的元素。田中雖然在日本出生和長大，但有一半韓國血統，一半日本血統。在2017年我們參加的韓國Younggeun
當代藝術博物館的駐留項目中，我們參觀了附近的House of Sharing，並創作了一件以慰安婦為主題的作品，作為第一批參加這個項目的日本藝術家，我們認為這樣做是有意義的，當然，也收到了許多當地人的好評。
身份是一個重要的元素，話雖如此，可我們主張國籍並不是一個積極意義上的重大問題，比國籍更重要的是每個人經歷過的歷史形式了；這個想法也引出了我們作品的概念。
問: 在攝影作為一種媒介的性質正在改變的當代，妳們為什麽積極選擇攝影? 妳們認為攝影作為一種媒介的潛力是什麽?
我們認為攝影和視頻是至關重要的元素，很有可能以各種不同的方式被不斷地用於藝術作品中。
問: 請說一下妳們未來的職業前景 (包括妳目前正在創作的作品和即將推出的項目)。
今年六月二日至九月六日，我們將參加在埼玉縣現代藝術博物館舉辦的
“新攝影物品”展覽，展出的作品包括一些新作品。
네홀(Nerhol)은 아이디어를 ‘구상하는’ 다나카 요시히사와 아이디어를 ‘조각하는’ 이이다 류타에 의해 2007년에 결성된 아티스트 듀오이다. 이들은 사진을 이용하여 다층적이고 복잡한 프로세스를 통해 조각적인 작품을 제작한다. 규슈 벳푸 지역에서 머물며 제작한 〈For want of a nail〉는 레지던스 장소인 아오이소 숙소를 비롯하여 벳푸 공원과 상가 벽에 설치하여 전시로 선보였고 온천과 자연환경 속에서 형성된 문화의 여러 모습을 조각적인 작품을 통해 발표했다. 인과 관계를 다룬 마더구스의 시를 제목으로 인용하고 ‘장소’와 ‘공간’을 이용한 설치가 작품의 최종적 형태이다. 사진을 신체적, 유기적으로 표현하는 이들의 새로운 시도와 최근 작업에 대해 들어본다.
네홀 인터뷰
Q. 작품 컨셉을 알려달라. 또한, 이 작품의 제작 배경에는 어떠한 계기가 있었는지?
이 프로젝트는 2018년 여름 오이타현 벳푸시로부터 초대받은 레지던스 프로그램(KASHIMA2018 BEPPU ARTIST IN RESIDENCE)에서 시작되었다.
세계를 미크로 관점으로 볼 때 다양한 사물과 사건의 고정관념에서 벗어나 좀 더 역동적인 시점을 발견할 수 있지 않을까, 마크로 관점으로 볼 때 생각지도 못한 관계와 맥락을 찾아낼 수 있지 않을까, 이런 질문과 관심을 바탕으로 작품을 제작하고 있다. 인간이 만든 역사는 물론, 인류와 공생하는 생물이나 인공물과의 조화를 통해 일어나는 사건과 과학적 사실, 현상 등 가능한 한 크게 시야를 유지하면서 세부적으로 매력을 확대하거나 역사적 연결을 기존의 해석과는 다른 방법을 제시하는 등 작품을 통해 시도해왔다.
레지던스 프로그램을 계기로 벳푸의 역사를 리서치하게 되었다. 그 과정에서 온천 자원과 그를 바탕으로 지역 활성화를 도모하는 사람들의 모습, 도시의 흥망성쇠를 포함하여 벳푸라는 도시가 거대한 역사의 소용돌이 속에서 영향을 받고 변화하는 모습을 볼 수 있었다. 마침 마더 구스의 「For want of a nail(못이 없어서)」을 접하게 되었는데, 큰 범위의 에너지 순환과 미세한 사물의 연결이 비슷한 존재감으로 난립한다는 내용이었다. 이것이야말로 벳푸의 모습 그 자체인 것처럼 느껴져 제목으로 인용했다.
Q. 작품의 프로세스가 복잡하고 중층적으로 보인다. 프로세스에 대해 알려달라.
제작에 들어가기 전 컨셉과 테마에 관해 둘이서 철저하게 상의한다. 실제 제작 과정에서는 사진 이미지를 어떻게 남길 것인지, 종이 소재감을 어떻게 드러낼 것인지 등 검토하면서 최종적으로 전체가 하나의 작품으로서 귀결될 수 있도록 진행한다.
Q. 다른 장르의 두 작가가 협업하는 네홀이라는 듀오가 만들어진 경위를 알려달라.
우연한 만남이었지만 각자의 배경이 다르다는 점이 중요하다 느낀다.
서로 알 수 없는 언어와 대화를 통해 공유하면서 제작한다면 재밌는 무언가가 나오지 않을까 하는 생각에서 시작했다.
Q. 초기의 포트레이트 작품과 비교해보면 언뜻 보기에 움직이지 않거나 움직임이 완만한 것, 유기적인 것으로 피사체가 달라진 것처럼 보인다. 생각과 시간을 다루는 방법에 변화가 있었는지?
포트레이트 작품도 계속해서 제작하고 있다. 기본적인 생각은 유기물이 갖는 다층성을 밝히고 싶다는 것이다. 제작 과정에서 번번이 깨닫는 것들이 있다.
Q. 제작 과정에서 커팅 자체도 더욱 복잡해져 가는 듯하다. 사진을 입체화하기 때문에 공간을 포함한 설치 요소가 더 강해져 가는 게 아닐까 생각한다. 그러한 면에서 생각의 변화가 있다면 자세히 알려달라.
최근에는 하나의 시리즈로 묶어 전시로 발표하는 것보다 다양한 모티브의 작품을 조합하여 전시하는 경향이 강해진 것 같다. 전혀 다른 모티브가 공통으로 갖는 컨셉을 바탕으로 전시할 때에는 설치적 요소가 필요한 것 같다.
개별 작품 제작에 관해서는 더욱 조각적으로 다양하게 시도해보고 있다. 한 장씩 파는 작업을 했던 이전 기법보다 이미지가 드러나는 방법도 다양해졌고 제작하면서 고려해야 할 부분도 많아졌다. 이러한 점이 우리에게 또 다른 매력으로 다가온다.
Q. 나라, 또는 국적이 당신의 작업에서 아이덴티티의 한 부분을 차지하는가? 그렇다면 구체적으로 알려달라. 또한, 해외에서 그러한 특성을 깨닫게 된 경험이 있는지?
아이덴티티는 때로 중요하다. 예를 들어 다나카는 한국인과 일본인의 혼혈이고 일본에서 태어나고 자랐다. 2017년에 한국의 영은 미술관에서 레지던시 제작을 했는데 그때 근처에 있는 시설 〈나눔의 집〉에 방문하였고 일본군 위안부를 테마로 한 작품을 발표했다. 레지던시에 참가한 첫 일본인이기도 하여 우리가 그 작품을 제작하는 데 의미가 있다고 느꼈다. 현지에서도 긍정적 평가를 받았다.
그럼에도 불구하고 이 시대에서 국적은 그다지 큰 의미를 지니지 않는 것 같다. 국적보다 개개인이 거쳐 온 역사와 그 결과적 모습이 중요하다. 이 부분은 우리의 작품 컨셉과 연결된다.
Q. 사진이란 미디어 자체가 크게 변화하고 있는 현재, 사진을 다루는 이유는 무엇인지? 또한, 미디어로서의 사진의 가능성을 어떻게 보고 있는지 궁금하다.
사진이나 영상은 인류에게 없어서는 안 되는 존재가 되었고 앞으로도 다양한 형태로 작품이 이용되리라 생각한다.
Q. 앞으로의 계획을 알려달라.
6월 2일부터 9월 6일까지 사이타마현립 근대미술관에서 개최하는 그룹전 〈New Photographic Objects〉에 참가하고 있다.
Nerhol（ネルホル）は、アイディアを「練る」田中義久とアイデアを「彫る」飯田竜太によって2007年に結成されたアーティストデュオ。写真を用いながら、多層的で複雑なプロセスを経た彫刻的な作品群を制作する彼らは、別府での滞在制作から生まれた「釘がないので」で、レジデンス場所である葵荘をはじめ、別府公園や商店の壁で展示を行い、温泉や自然環境のなかで形成された文化の諸相を彫刻的な作品として発表した。ここでは因果関係にまつわるマザー・グースの詩をタイトルに用い、ある場所と空間でのインスタレーションを作品の最終形としている。写真を身体的に、有機的に表現する彼らにとって新しい試みとなった本作と、最近の試みについて聞いた。
Nerholインタビュー
Q. 今回応募された作品「For want of a nail（釘がないので）」のコンセプトを教えてください。またこの作品を制作する背景にはどのようなきっかけがあったのでしょうか？
今回のプロジェクトは、2018年の夏に大分県別府市でのレジデンスプログラム（KASHIMA2018 BEPPU ARTIST IN RESIDENCE）に招聘されたことからスタートしました。
私たちは近年、世界をミクロな観点から見ると様々なモノ・コトの見方の固定概念が外れダイナミックな視点を見つけられるのではないか、あるいはマクロな観点から見直すと思いもよらなかったような繋がりやコンテクストが見いだせるのではないか、ということに関心を持って制作をしてきました。人間が作ってきた歴史はもちろん、人類の伴走者である生物や人工物、それらの出会いを通じて起きるアクシデントだったり、科学的事象など、視野をできる限り大きく持ちながら、細部に宿る魅力を拡大したり、歴史の繋がりを固定化された歴史解釈とは違う方法で提示したりということを作品を通して試みてきました。
レジデンスプログラムをきっかけに別府という街の歴史をリサーチする過程で、温泉という資源、それを使いつつ町興しをした人びとの姿、それから街の盛衰を含め別府という街が大きな歴史のうねりのなかで影響・変化を受けていく様子を知ったのですが、そのときにちょうどマザー・グースの一遍にあった「釘がないので」にも触れました。大きなエネルギーの循環と微細なモノ・コトの繋がりが同じような存在感で乱立していることを伝える内容のようで、まさに別府の姿そのもののようにも思ってこのタイトルを付けました。
Q. 複雑で重層的な作品のプロセスを教えてもらえますでしょうか？
具体的にどのように作っているかは詳述しませんが、制作に入る前にコンセプトやテーマをふたりでとことん話し合っています。実際に制作をする過程では、写真のイメージの残し方や紙の素材感の出し方などを含めて検討しつつ、最終的に全体がひとつの作品として帰結するように進めていきます。
Q. 違う職種の二人が協働作業を行う、ネルホルというユニットが生まれた経緯を教えてください。
偶然の出会いですが、お互いのバックグラウンドが違うことが重要だと感じています。
互いの分からない言語や対話を通して共有していきながら制作をすると面白いものができるのではないかということからスタートしました。
Q. 初期のポートレイト作品から、被写体が一見動かないもの、あるいは動きが緩やかなもの、有機的なものへと移行しています。考え方や時間のとらえ方には変化はありましたか？
ポートレートも制作を止めたわけではなく今も制作しています。基本的な考え方として、有機物が持つ多層性を明かしてみたいと思っています。自分たち自身も制作の中で毎回気付かされることがあります。
Q. カッティング自体も、より複雑になってきていますね。写真を立体にすることから、空間も含めたインスタレーションの要素が強くなってきていると感じました。その辺りの思考の変化を詳しく伺えればと思います。
近年の試みとしてひとつのシリーズとして纏め、それを展示として発表するという方法ではなく、様々なモチーフによる作品を組み合わせて展示をするという傾向が強くなっているとは思います。全く異なるモチーフを通底するコンセプトを基に展示をすると確かにインスタレーションとして見せていくことも必要になってきています。
個別の作品の作り方に関しては、より彫刻的に色々なアプローチをしています。一枚一枚彫り進めていくような以前の制作手法より、像の出方も多様になりますし、制作をしながら考えるべきポイントも多く私たち自身も魅力を感じています。
Q. 作品を作る際に、自身が生まれた国、あるいは国籍はアイデンティティーの一つとなっていますか？あるいは自国から出た際に、その特性に気付かされた経験はありますか？
アイデンティティはときに重要です。例えば、田中は韓国人と日本人のハーフとして日本で生まれ育ちました。2017年には韓国のYoungeun Museum of Contemporary Artで滞在制作をしたのですが、そのときは近隣にある施設「ナヌムの家」を訪れ、従軍慰安婦をテーマに据え作品を発表しました。日本人として初めてレジデンスしたこともあって、私たちがやることに意味があると思いましたし、現地でも良いコメントをたくさん寄せてもらいました。
とはいえ、この時代において、国籍はあまり大きな意味を持たないと積極的な意味合いで伝えられればと思います。国籍というよりも、個々の人間がたどってきた歴史やその結果としての姿が重要だということは、私たちの作品のコンセプトにも繋がる考えです。
Q. 写真というメディアのあり方自体が大きく変わっていく現代において、あえて写真を扱う理由はどこにありますか？またそのメディアとしての写真の可能性をどのように取られていますか？
写真や映像は人類にとっても欠かせないもので今後も様々な形で作品に用いられる可能性が大きくあると思います。
Q. 今後の展望（現在取り組んでいる作品、今後の予定など）を聞かせてください。
6月2日から９月６日まで、上旬から埼玉県立近代美術館で開催されるグループ展「New Photographic Objects」に参加し、新作を発表しています。
